Quentin Tarantino. Prende appunti a Cannes durante una lezione di Scorsese sul cinema (non lo prende per i fondelli, nonono ) e giustamente ci fa notare che in Italia siamo deprimenti se la nostra massima espressione confluisce solo in lucchetti e vacanze di Natale. Occorre aggiungere altro?
Comunque…
Partiamo dal presupposto che la politica commerciale (mista a censura) in Europa ci ha messo lo zampino arrivando a:
-spezzare in due il progetto originale (l’episodio di Rodriguez, Planet Terror, per ora è fissato a fine Luglio)
-eliminare i fake trailer di intermezzo al gusto slasher+gore in quantità (di Rob Zombie e Eli Roth tanto per precisare dove si andava a parare)
-allungare il cut originale dell’episodio di oltre 40 minuti
benchè sono operazioni riflesso del flop statunitense la corsa ai ripari secondo me vanifica l’opera nell’insieme che voleva essere un omaggio ai b-movies horror d’azione in voga negli anni ’70, easy fun all’ennesima potenza.
A prova di morte è un esercizio di stile che esalta tecnicamente le migliori qualità del regista americano: fotografia sporca e rovinata, audio gracchiante, tagli approssimativi e colonna sonora (come sempre) ricercata enfatizzano l’atmosfera e contribuiscono a creare una regia ferma e meticolosa. Superlativo quando cita se stesso (regalandosi l’ennesimo cameo), in particolare da Kill Bill, non si può negare la bravura manicale del dettaglio e il tentativo di proporre qualcosa che vada fuori dagli schemi. Trash colto e di qualità, godimento. A tanti elogi occorre fare i conti con quello che la macchina da presa maschera, ovvero il risultato nel complesso non diverte come ci si aspetta direi piuttosto freddo e dispersivo. Prolisso e monco di quella alchimia grottesca ed esagerata che ho sempre trovato in Tarantino, la pazienza viene scalfita da monologhi diluiti e pallosi, che funzionano fino a mezzogiorno. A corrente alterna, incostante: se nel primo tempo si gettano le basi per il il personaggio di Mike (un Russel da incorniciare), un ritmo esagitato e di corsa (barocco e fracassone) come gli ultimi 15 minuti sono almeno d’obbligo. Mentre da antologia rimane l’unico botto con le frattaglie che volano e qualche applauso nel sadico gioco della vendetta sul finale, l’ironia del cacciatore che diventa preda. Troppo poco e il paleativo degli omaggi cinefili è cool ma fine a se stesso.

Da vedere con le dovute riserve.

Come era lecito aspettarsi da un franchise pompato all’inverosimile alla fine doveva lasciare l’amaro in bocca. Non mi va di rovinarvi la visione, inevitabile se avete apprezzato i precedenti episodi. Ma volendo dare un piccolo scorcio della sceneggiatura posso dire che non mi è parsa all’altezza e male ingrana: troppo frammentata e a ritmi alterni, cozzaglia piena di capovolgimenti, dannatamente lunga e in qualche punto perde pezzi per strada. In effetti la vera utilità del film la si trova verso l’ultima mezz’ora, di fronte a una parata orgiastica di effetti speciali e distruzione a gogo nel confronto finale, per arrivare all’unica soluzione possibile che salvi capri, cavoli, pirati e permetta di proseguire con queste avventure made in Disney. Si è persa un pò la magia che ha caratterizzato il primo episodio, la sua genuina e divertente semplicità ora soppiantata da un prodotto finale sofisticato e dispersivo, sfrontato nella forzata ironia e spaccone tanto da citare pure Sergio Leone. Verbinski si è (a ragione) montato la testa. Cast tecnico eccellente tra cui spicca anche Richards: i fan degli Stones godranno.

Spettacolare sul finale e come trovata commerciale Bruckheimer e Disney centrano il bersaglio e sfrutteranno il marchio fino all’ultimo dollaro. Da vedere ma senza aspettative clamorose. E’ un consiglio.

Spiderman 3 è il risultato di un regista che ha diretto un film da oltre 300 milioni di dollari. Di budget. E non poteva permettersi errori. Perfettamente comprensibile come alla fine sia facciata tecnica e poca sostanza, con ritmo discontinuo e spreco di un cast convincente, tra cui spicca Maguire che proprio non si rende conto di essere l’Uomo Ragno. Questo colossal campione d’incassi si ferma qui. Mirabolanti sequenze, combattimenti esasperati ed altamente spettacolari, cadute di stile che sfiorano il ridicolo, prevedibilità. Molto alla buona. Non sono un appassionato della branchia Marvel ma credo che ogni buon fan griderà allo scempio di fronte a un mancato sviluppo sulla psicologia dei personaggi e in primis Venom. E la libertà che si è preso Raimi, anche se ci può stare. Colpa della tanta carne sul fuoco, troppa roba che si vuole raccontare a tutti i costi.

In questo enorme frullato disomogeneo, il risultato finale lascia perplessi. Con lo spettro dell’occasione mancata per chiudere alla grande.

Tipico incipit da film di fantascienza dove l’umanità non ha speranza di sopravvivenza se non per mano di un pugno di eroi. Stavolta un equipaggio è proiettato verso il Sole nel tentativo di buttare una bomba che faccia da defribillatore e risvegli la stella morente. Disseminato da sporadici riferimenti ai classici del genere come 2001 (le sequenze dentro la tuta spaziale) i claustrofobici tunnel della stazione (?) tipo Alien e un cast azzeccato, aiutano a dare forma al film di Boyle. Sunshine è un film costruito fottutamente bene, passatemi il termine, per chi mastica il genere. A partire dal minimo di veridicità scientifica e gli sprazzi da action movie per tenere ritmo, filo di un rasoio che preannuncia la catastrofe, l’opppressione psicologica dello spazio pericoloso e infinito, sono aspetti costruiti con atmosfera e buona regia. Niente storia melensa d’amore, niente esagerazioni ridicole e cattivo gusto. La sensazione di impotenza dell’uomo di fronte alla maestosità terrificante del cosmo cattura l’attenzione quanto basta, per il resto ai protagonisti saltano i nervi, la tensione è palpabile, si ritrova una nave che si credeva dispersa, imprevisti già collaudati e poco originali. Nessun miracolo ma rimane un discreto risultato. Però un alone si avverte, uno spettro che va oltre la sceneggiatura non proprio al top. Dov’è la frittata, l’inghippo? Boyle lo si conosce, la porcata ce la mette sempre. Sospetti che trovano conferma verso i 3/4 quando l’evidente carenza di idee (e forzatura nelle personali visioni, il regista tradizionalmente se le impone) deraglia la pellicola in un banale meccanismo thriller/horror di eliminazione personale equipaggio uno per uno. Se avviene per mano di forza sovrannaturale che mischia onnipotenza e diritto divino, il risultato è sbrigativo e danneggia il film.

Boyle pasticcia proprio nel climax della storia, con una maggiore cura avrebbe rilegato Sunshine a culto nel suo genere. Così rimane un film dal sapore agrodolce.

Per questo Illusionist Neil Burger si affida all’ottima fotografia di Dick Pope e location suggestive in grado di offrire una Vienna di fine ‘800 ombrosa e ricca di atmosfera, veramente magica. Con Philip Glass alle musiche e un cast di tutto rispetto The Illusionist nelle premesse sembra presentarsi sotto una buona stella. Purtroppo non basta. La storia d’amore tra i due protagonisti risulta fin troppo riciclata e lenta, in grado di sbilanciare un plot che garantisca supporto a Norton (magnetico ma non all’altezza delle reali capacità) e gli altri coprotagonisti (Giamatti e Biel, bravi entrambi). Il gioco regge fino a metà durata per poi scivolare in tutta la sua fragilità. Non vengono sviluppati aspetti interessanti come il contesto dell’epoca e la profondità dei personaggi. Il susseguirsi degli eventi è appiccicato in una mesta successione che non regala emozioni e ancor meno un piccolo colpo di scena finale. Rimane un film godibile ma sotto sotto lascia uno sgradevole senso di vuoto a fine visione.

Elegante ma senza mordente. Sprecato.